Emblematica, in tal senso, è l’ultima tournée- con appuntamenti il 30 dicembre 2025e il 3 gennaio 2026 nell’ambito dell’Opera Ballet del Teatro SNG di Maribor, in Slovenia- dove il Maestro ha raggiunto il traguardo della sua 100esima direzione della celebre Opera “La Traviata” di Giuseppe Verdi.

Applausi a scena aperta e la standing ovation di un pubblico internazionale hanno suggellato nel migliore dei modi questo storico momento artistico del Maestro Francesco, confermando la sua elegante ed impeccabile direzione orchestrale.

Con profonda sensibilità interpretativa, il Maestro ha diretto la Simfonični orkester SNG Maribor, e un cast di altissimo livello con protagonisti, in particolare: il soprano zagabrese Darija Auguštan nel ruolo di Violetta Valery, il tenore sloveno Martin Sušnik nel ruolo di Alfredo Germont, e il baritono serbo Željko Lučić in Giorgio Germont.

 “Cento recite de La Traviata- commenta il Maestro Francesco Di Mauro- non sono un semplice numero, ma raccontano la sedimentazione di un percorso artistico e umano. Un itinerario che ho avuto il privilegio di attraversare dal podio, sera dopo sera, tra entusiasmi, emozioni e successi, incontri con cantanti straordinari e un pubblico che, di generazione in generazione, continua a riconoscersi nella parabola di Violetta: una storia che parla di amore, di libertà, di dignità, di quella lotta silenziosa che ciascuno porta dentro di sé.”.

“E poi ci sono stati gli imprevisti, che oggi assumono la forma di aneddoti ma che, nel momento in cui accadevano, rivelavano la natura profondamente umana del teatro: un sipario che decide autonomamente di chiudersi, un Alfredo che perde la voce nel brindisi e reinventa la scena con una dignità che nessuna regia avrebbe potuto prevedere. In quei momenti ho riconosciuto la forza del teatro: la sua capacità di trasformare l’errore in narrazione, la fragilità in rivelazione”.

“Dirigere La Traviata per cento volte non equivale a reiterare un rito- conclude il Maestro- significa rigenerarlo. Ogni sera. Ogni volta che la bacchetta si solleva, so che quell’attacco non potrà mai essere identico al precedente. Perché mutano i respiri, mutano le energie, muta la disposizione segreta con cui la musica decide di attraversare i corpi e le coscienze. L’opera, come ogni organismo vivente, non si lascia mai fissare una volta per tutte. Cento recite sono, in definitiva, un atto d’amore. Per Verdi, per il teatro, per quella vita che nella musica trova la sua forma più alta e più vulnerabile. E mentre rivolgo lo sguardo al passato con gratitudine, lo rivolgo al futuro con la stessa trepidazione della prima volta. Perché ogni recita, anche dopo cento, non è mai un compimento: è sempre un inizio”.

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“Un capolavoro assoluto della storia della musica e dell’opera comica ottocentesca, straordinariamente innovativo sia per gli aspetti musicali che drammaturgici”, ha dichiarato Cappuccio, regista, scrittore e intellettuale tra i più autorevoli del panorama teatrale italiano. La sua visione registica ha scelto una messa in scena astratta, dominata da cromatismi vividi che evocano il mondo agreste dell’opera. “Una messa in scena che rivendica una sospensione del tempo per un’opera non di oggi, non di ieri, non di domani, ma un’opera di sempre, e questo è il destino dei classici”.

La prima serata è stata dedicata alla memoria del maestro Roberto De Simone, figura cardine della musica italiana recentemente scomparsa. “Ci sono compositori che inventano delle opere e compositori che riescono a creare dei mondi – dice Cappuccio – De Simone era un creatore di mondi”.

Composto nel 1832 su libretto di Felice Romani, tratto da Le philtre di Eugène Scribe, L’elisir d’amore è uno dei titoli più rappresentati al mondo. Una commedia romantica e brillante, dove l’amore si intreccia con la beffa e la magia di un elisir fasullo, in grado però di cambiare tutto. Celeberrima l’aria “Una furtiva lacrima”, cavallo di battaglia di tutti i grandi tenori, che nel contesto dell’opera assume una sorprendente leggerezza. “L’elisir d’amore è un’opera musicalmente strepitosa – aggiunge Cappuccio – carica di malinconia e profondità, e allo stesso tempo leggera e giocosa. In natura non vi è nulla che sia drammatico e dove al contempo non ci sia anche qualcosa da ridere, e viceversa”.

Nel ruolo dell’ingenuo contadino Nemorino, troviamo il tenore René Barbera, affiancato dalla palermitana Desirée Rancatore nel ruolo dell’affascinante e indipendente Adina. Nel cast alternativo si esibiranno Galeano Salas e Giulia Mazzola. Completano il cast Vittorio Prato nei panni del sergente Belcore, Paolo Bordogna (e, nelle repliche, Andrea Piazza e Francesco Vultaggio) nel ruolo del venditore di illusioni Dulcamara, e Federica Maggì come Giannetta.

L’allestimento, firmato dal Teatro dell’Opera di Roma, si avvale delle scenografie di Nicola Rubertelli, i costumi di Carlo Poggioli e le luci di Vinicio Cheli. A dirigere il Coro del Teatro Massimo è il maestro Salvatore Punturo. Dopo la prima, il maestro Elia Andrea Corazza sarà alla direzione nelle repliche del 15 e 17 aprile.

In occasione della prova generale di giovedì 10 aprile alle 18:30, il Teatro Massimo ha scelto di sostenere Medici Senza Frontiere, devolvendo l’incasso della serata alla celebre organizzazione umanitaria.

Domenica 13 aprile alle 17:30, in Sala Stemmi, spazio anche ai più piccoli con “Bambini all’opera”, un laboratorio multisensoriale curato da Radici. Piccolo Museo della Natura per avvicinare i bambini dai 6 ai 10 anni al mondo dell’opera.

L’elisir d’amore sarà in scena fino al 18 aprile con i seguenti appuntamenti:

• Sabato 12 aprile ore 20:00 (Turno F)
• Domenica 13 aprile ore 17:30 (Turno D)
• Martedì 15 aprile ore 18:30 (Turno Scuola)
• Mercoledì 16 aprile ore 18:30 (Turno B)
• Giovedì 17 aprile ore 18:30 (Turno Opera)
• Venerdì 18 aprile ore 18:30 (Turno C)

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Una regia contemporanea e densa di significato

La regia di Mario Martone ha portato una lettura fresca e moderna dell’opera, rapportando le scene più vicine ai giorni nostri. Non è mancato, naturalmente, qualche “muso storto” per la regia da parte dei puristi del melodramma e dei libretti. Ma l’esercito veneziano a Cipro, reinterpretato come un contingente occidentale in Medio Oriente, è un’immagine che ha conferito attualità e profondità alla vicenda e l’ha arricchita di significati. La Desdemona di Martone non è più una vittima sacrificale o una donna passiva che attende il suo destino: nei panni di una soldatessa in abiti militari, si oppone con forza alla sua sorte, diventando simbolo di una femminilità resiliente e determinata. Questa scelta registica ha dato nuova luce al personaggio, rendendolo complesso e affascinante.

Le scenografie di Margherita Palli, sobrie ma evocative, hanno ricreato un ambiente militarizzato, sottolineando la tensione costante che permea la trama. I costumi di Ortensia De Francesco, in linea con l’ambientazione contemporanea, hanno rafforzato l’atmosfera del conflitto. Particolarmente efficaci i giochi di luce disegnati da Pasquale Mari, che hanno saputo sottolineare i momenti di maggiore drammaticità, creando un connubio perfetto tra visione registica e impatto scenico.

Tanti applausi per il baritono palermitano Nicola Alaimo

Tra gli interpreti, ha brillato il baritono palermitano Nicola Alaimo, che ha dato vita ad uno Iago viscido e perfido, seducendo il pubblico con la sua interpretazione intensa e magnetica. La sua resa del celebre monologo “Credo in un Dio crudel” è stata accolta con applausi fragorosi, premiando le sue straordinarie capacità di prendersi la scena.

Nel ruolo del tormentato Otello, il tenore Yusif Eyvazov ha offerto una prova intensa e drammatica, convincendo nella discesa del personaggio nella gelosia cieca. Il soprano Barno Ismatullaeva, nei panni della rinnovata Desdemona, ha commosso il pubblico con una performance che ha saputo bilanciare delicatezza e forza, rendendo il personaggio una figura tragica ma combattiva.

Sul podio dell’Orchestra del Teatro Massimo, il maestro Jader Bignamini ha ben diretto esaltando le sfumature più liriche e drammatiche della partitura verdiana. Il Coro e il Coro di voci bianche, diretti dal maestro Salvatore Punturo, hanno aggiunto ulteriore spessore all’esecuzione, regalando momenti corali di grande pathos.

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La grandezza della lirica

L’opera lirica è molto più di un genere musicale: è una forma d’arte totale. Capolavori del melodramma italiano come La Traviata, Otello, Rigoletto di Giuseppe Verdi, La Bohème, Tosca, Turandot, di Giacomo Puccini, la Carmen di Bizet, Cavalleria Rusticana di Leoncavallo o Il Barbiere di Siviglia di Gioacchino Rossini (solo per citarne alcuni tra i più noti), non sono solo messinscene teatrali, ma vere e proprie opere d’arte, al pari di un David di Michelangelo o di una Gioconda di Leonardo da Vinci.

Sono lavori che non solo celebrano la bellezza della musica, ma raccontano storie universali di amore, sofferenza, passione e redenzione

E s’iddu muoru e vaju mparadisu, si nun ce truovu a ttia, mancu ce trasu (Cavalleria Rusticana)

La potenza emotiva e la profondità dei sentimenti espressi in un’aria lirica non hanno eguali. La lirica ha anche un valore simbolico. È un veicolo di identità culturale e di memoria storica, un’arte che racconta il passato e che continua a parlare al presente, adattandosi e rinnovandosi.

Non sono parole scelte a caso quelle che si leggono all’ingresso del Teatro Massimo di Palermo: l’arte rinnova i popoli e ne rivela la vita. Vano delle scene il diletto ove non miri a preparar l’avvenire“.

La lirica, come tutte le arti, ha avuto il potere di trasformare, ispirare e rigenerare le persone e le culture (rinnova i popoli). Attraverso nuove idee, emozioni ed espressioni, ha stimolato il progresso e ha sfidato convenzioni. Le scene rappresentano uno specchio della realtà. Riflettono valori, emozioni, aspirazioni e contraddizioni dei popoli che ci hanno preceduto, rendendo visibili aspetti della vita, anche attuali, che altrimenti potrebbero rimanere nascosti o inespressi. Sarebbe forse inutile (vana) l’arte se non avesse anche una funzione educativa, ispiratrice o visionaria, contribuendo a costruire un futuro migliore (l’avvenire), a stimolare riflessioni profonde e a generare cambiamento.

Pourquoi me réveiller, ô souffle du printemps? (Werther – Massenet)

Le nuove sfide

Il XXI secolo ha portato con sé cambiamenti radicali nei consumi culturali. La digitalizzazione e l’avvento delle piattaforme di streaming hanno reso accessibile una quantità infinita di contenuti, ma spesso a discapito della qualità e della profondità. La lirica, con la sua complessità e il suo linguaggio sofisticato, richiede tempo e concentrazione, due risorse che le nuove generazioni sembrano sempre meno disposte a investire.

Di nuove sorti l’arcano disegno s’apre a noi (La forza del destino – Giuseppe Verdi)

Inoltre, c’è una percezione diffusa che l’opera lirica sia un’arte elitaria, destinata a un pubblico ristretto e anziano. Questo stereotipo, se non contrastato, rischia di allontanare i giovani, che potrebbero percepirla come distante dai loro interessi e dalla loro realtà.

Custodire e tramandare

Per preservare la lirica, è fondamentale adottare strategie innovative che avvicinino le nuove generazioni a questa forma d’arte. Le tecnologie digitali come lo streaming, i social o l’intelligenza artificiale, se utilizzate con intelligenza umana, possono essere alleati preziosi. Ma un aspetto cruciale è l’educazione culturale che vogliamo tramandare ai nostri figli. Inserire la lirica nei programmi scolastici, organizzare laboratori e spettacoli pensati per i più giovani può contribuire a far scoprire loro il fascino di quest’arte senza tempo e far entrare nelle corde della loro anima la maestosità e la bellezza di certe composizioni. È importante mostrare che la lirica non è un relitto del passato, ma un linguaggio vivo e attuale, capace di parlare anche ai temi e alle emozioni di oggi.

Custodire questo tesoro e tramandarlo significa non solo rispettare il passato, ma garantire che le emozioni, i sogni e le storie che esso racchiude possano continuare a toccare il cuore delle persone, indipendentemente dall’età e dalle mode del momento.

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